В пространстве «Рельсы» открылась необычная выставка «Там, где появился скол», которая заставляет по-новому взглянуть на трещины, сколы и ошибки. В основе проекта – японская философия «ваби-саби», термин этот означает умение видеть красоту в несовершенстве, мимолетности или незаконченности.
Первое, чем поразило открытие выставки, – большим количеством посетителей, среди которых было много молодых, внешне ярких и красивых людей. И сразу же охватывает еще одно сильное впечатление – от самих экспонатов. Куратор выставочной программы Элина Багмет объясняет ажиотаж просто: у «Рельсов» много постоянной аудитории, которая приходит на разные события. Есть друзья проекта, есть люди, которым просто интересно искусство, и они хотят прийти увидеть что-то новое для себя.
Но новое – это мягко сказано. Сама идея выставки, как признаются даже сами организаторы, получилась совершенно необычной: концепция выросла из намерения сделать выставку стекла. Но поскольку материал этот очень непредсказуемый и непонятно, как он себя поведет при обжиге, решили не ограничиваться одним материалом и границы расширить. Теперь друг с другом соседствуют работы, выполненные в техниках стеклодувного искусства, керамики, витража Тиффани, художественного текстиля и металлопластики.
В выставке участвует больше двадцати художников из Твери, Москвы, Петербурга, Воронежа, Ростова-на-Дону.
Японская мудрость и тверские рельсы
– Мы решили, что интересно посмотреть на современное искусство через призму понятия «ваби-саби», для которого нет дословного перевода в русском языке, а говорит оно о принятии несовершенства и умении видеть красоту в неидеальности, потому что у каждого человека тоже есть свои сколы, трещины и особенности. Мы, таким образом, проводим параллель между арт-объектом и человеком: на свои особенности тоже неплохо бы посмотреть с той точки зрения, что это может быть красиво и интересно. Этот подход сразу же считывается в экспонатах – вот, например, склеенные золотистым лаком вазы, словно их не чинили, а изысканно украсили. Это техника кинцуги, – поясняет Элина Багмет, показывая на один из объектов. – У нас есть работы от первой мастерской кинцуги в России.
Не всегда это следствие какой-то ошибки, допущенной неосторожности или брака, – есть работы, которые скололись при обжиге, но есть экспонаты с какой-то необычной фактурой: материал иногда берет верх над автором. Такие объекты не то что имеют право на существование, они по-своему красивы.
Одна из запоминающихся работ – «Амур. Еще раз» от художницы по стеклу Юлии Момотовой, вместе с Элиной Багмет отвечающей за проект.
– Моя работа восстановленная, она собрана из разбитого предмета. Да, мне нравится идея восстановления утраченного, мне кажется, это в целом про нашу жизнь, про процесс жизни: мы что-то разбиваем, что-то воссоздаем, что-то теряем и находим, – говорит Юлия Момотова.
К слову, для самой Юлии этот проект – далеко не первый опыт, с 2022 года она регулярно выставляется в Москве, Петербурге, Ростове и, конечно, Твери.
Как заметил один из гостей, разглядывая разбитую и склеенную золотом вазу, если бы она не разбилась, это был бы просто красивый сосуд. А теперь это – философия.
В таких предметах более всего воплощена идея проекта: напомнить каждому, что наши собственные трещины, ошибки и сколы – это не то, что нужно прятать. Возможно, это как раз то, что делает нас уникальными. И если посмотреть под правильным углом – красивыми.
Как рождается красота
Настоящим гимном случайности стал совместный проект Дарьи Иукканен и Полины Уваровой под названием «Альбом». Этот альбом появился из-за того, что одна работа упала, и ее пришлось чинить. Но неожиданный скол сделал ее особенной, красивой.
Ситуация поначалу казалась драматичной: керамические и металлические гербарии двух художниц создавались специально для уличного фестиваля в Архангельске.
– Мы выставляли эту работу на фестивале, – объясняет Полина Уварова. – Установили на деревянных креплениях, чтобы не портить стену, но они – из-за того, что выставлялись на улице летом, – усохли, и часть работ просто упала и разбилась. Мы очень расстроились и не знали, что делать. Осколки пролежали около полугода, пока мы не решились на эксперимент: научились делать витражи, собрали осколки и при помощи техники витража Тиффани склеили. Делается это так: на кусочки наклеивается медная лента, а потом при помощи паяльника и свинцово-оловянного припоя они соединяются.
Делали все сами, сходили к знакомой художнице, она показала, что и как. При этом сами цветочки – гербарий из северных растений – сделаны из металла и керамики, это создавала Полина. А Дарья Иукканен занималась керамическими листами, имитирующими бумагу. Самое интересное здесь – детали: на глиняных листах можно видеть штрих-коды и надписи. Дарья работает с документами, любит это, что странно слышать от художницы, более того, она обожает всю эту бюрократию. Большой интерес у нее вызывают, например, чеки, которые выдают в магазине, что-то она нашла на улице, что-то дали знакомые. Смотришь на чек и видишь, вот человек пришел в шесть утра, купил доширак, энергетик и воду – такой завтрак чемпиона.
Одна работа, «Бумажная волокита», представляет собой керамические папки, полностью набитые разными документами, связанными с искусством. Вокруг искусства тоже много бюрократической волокиты, объясняет Дарья Иукканен. На выставке можно видеть не только красивый шрифт, вписанные в гербарии тексты, но и трудно воспринимаемые тексты, написанные неживым бюрократическим языком: даже внешний мусор, в том числе визуальный, она превратила в произведение искусства. Если присмотреться, оказывается, это очень интересно, и в визуальном шуме можно увидеть смысл.
Витраж на заборе и текстиль увядания
Свое видение темы представил и художник-витражист Артур Маковский. Витраж «Локус», выполненный в технике Тиффани, он установил в решетке калитки у здания тверского онкодиспансера. Спустя время витраж был поврежден, однако центральный образ цветка уцелел. Этот опыт стал для художника частью исследования хрупкости витража и его взаимодействия с реальностью городской среды.
Еще более удивительно выглядит текстильное панно «Исчезающая красота» Натальи Косовец, которая работает в технике нагревания, таким образом соединяя несколько слоев ткани. От более плотной фактуры она переходит к призрачной, исчезающей, показывая увядание цветка и сам процесс исчезновения.
Таинственный, сложной формы объект под именем «Юн–1–1», как сообщает этикетка, можно брать в руки. Со временем его поверхность окислится и постепенно изменит цвет, фиксируя следы взаимодействия с человеком и окружающей средой.
Музыка трещин
Необычной атмосфере выставки под стать виниловый вечер от проекта Super Spatial, почти четыре года существующий в пространстве «Рельсов». Коллекционер и исследователь музыки Вадим Шамаев ставит на проигрыватель пластинки из своей коллекции, объясняя, как физический носитель перекликается с идеей выставки.
– Пластинки, как и те объекты искусства, которые находятся в выставочном пространстве, также подвержены временным изменениям, – говорит он. – Они, проживая годы и переходя из рук в руки, несут с собой какие-то истории. И создают дополнительную, а на самом деле ключевую ценность для обладателя. В век цифровой, век файловый, достаточно сложно сказать, что ты обладаешь той или иной композицией или альбомом, если не можешь его подержать, если с ним не связано никакой истории о том, как он был найден.
Выставка в «Рельсах» продлится до десятого мая включительно. Кураторы надеются, что на майских праздниках люди тоже смогут ее увидеть.
Новая выставка не ограничивается экспозицией: «Рельсы» подготовили программу, которая поможет лучше понять ее идеи, прикоснуться к японской культуре и ее неочевидному взгляду на идеальность, счастье и красоту. Открытие выставки дает возможность услышать самих авторов и погрузиться в контекст работ. Кинопоказы, клубы и лекции помогут понять японскую философию – через образы, истории и разные способы восприятия. Мастерские – способ прожить идеи выставки на практике: замедлиться, поработать с разными материалами, насладиться процессом и прикоснуться к состоянию «икигай».
Возрастные ограничения 12+
